Fernando Birri - Tire dié AKA Throw Me a Dime (1958)

Tire dié de Fernando Birri (Throw Me a Dime, 1958) começa com uma tomada aérea da cidade provincial de Santa Fé, Argentina. A associação da narração da voz de Deus com imagens da perspectiva de Deus só revela toda a extensão de sua intenção paródica à medida que a narração avança e dados descritivos convencionais (como localização geográfica, datas de fundação, população) dão lugar a estatísticas menos convencionais (o número de postes e cabeleireiros, pães consumidos mensalmente, vacas abatidas diariamente e borrachas compradas anualmente para escritórios do governo).À medida que as casas dão lugar aos barracos, o narrador declara: “Ao chegar ao limite da cidade propriamente dita (la ciudad organizada) as estatísticas tornam-se incertas…. Foi aqui que, entre as quatro e as cinco da tarde… durante 1956, 1957 e 1958, foi rodado o seguinte filme de pesquisa social.”

A ponte ferroviária pesquisada pela câmera aérea pouco antes dos créditos é o local da primeira sequência pós-créditos. Do ponto de vista de Deus, a câmera desceu até o nível dos olhos das crianças que ali se reúnem todas as tardes. Na primeira foto pós-créditos, um garotinho em close-up olha diretamente para a câmera, depois se vira e sai do quadro. Outras crianças aparecem de perto, olhando e falando diretamente. Suas vozes quase inaudíveis são sobrepostas com a dicção dramática estudada de dois narradores adultos invisíveis, homens e mulheres, que repetem o que as crianças estão dizendo, acrescentando etiquetas de identificação como “…um dos meninos nos contou” ou “…disse outro”. Essa sequência inicial termina quando a câmera segue um dos meninos para casa e “apresenta” sua mãe em um discurso visual e verbal direto, seguida de sua narração (logo composta pela sobreposição dos narradores mediadores) e imagens de observação e ilustração. Essa sequência de “cadeia”, em que um ator social (geralmente uma criança) fornece uma ligação visual com outro (geralmente um adulto), continua ao longo do filme.

A principal expectativa adiada e eventualmente cumprida pela intrincada estruturação do filme é o aparecimento do longo e ansiosamente esperado trem para Buenos Aires. As entrevistas em que os moradores locais discutem sua situação econômica são repetidamente intercaladas com tiros de volta aos trilhos e o crescente número de crianças que mantêm sua vigília inquieta lá. O eventual clímax da expectativa (dos sujeitos e dos espectadores) tem a mais corajosa e rápida das crianças correndo ao lado do trem que passa. Enquanto eles se equilibram precariamente na ponte estreita e elevada, com as mãos esticadas para cima para pegar qualquer moeda que os passageiros possam jogar em sua direção, vozes de crianças na trilha sonora cantam roucamente: “Tire dié! Tire die!” (Jogue-me um centavo!”).

Primeiro produto da primeira escola de cinema documental latino-americana (A Escuela Documental de Santa Fe, fundada por Birri em 1956 ao retornar do Centro Sperimentale de Roma), Tire dié foi um esforço colaborativo cuja evolução e ethos sugerem uma motivação mais observacional do que expositiva . Depois de selecionar esse tema e local em particular a partir de fotorreportagens preliminares, Birri dividiu seus cinquenta e nove alunos em vários grupos, cada um dos quais deveria se concentrar em um personagem específico da comunidade em estudo: “Nós fomos lá todas as tardes durante dois anos, para conhecer essas pessoas, trocar ideias, conviver com elas; mas acabamos compartilhando suas vidas. Nunca escondemos o fato de estarmos fazendo um filme, mas também não o enfatizamos. O filme foi claramente secundário às relações humanas que estabelecemos.

Apesar das severas limitações financeiras e técnicas, o grupo buscou a autoapresentação síncrona dos atores sociais. As intervenções do narrador autoritário cessam após a sequência inicial de pré-crédito. Os cineastas excluíram a própria presença das entrevistas com os ribeirinhos, não aparecendo na tela nem mantendo suas perguntas na trilha sonora. Geralmente, embora nem sempre, o filme apresenta atores sociais em um discurso visual e verbal direto, seguido por uma montagem de imagens de ilustração e observação que são unificadas pelo comentário de voz dos atores sociais.

Dado esse aparente compromisso com o discurso verbal direto, a persistente intervenção dos mediadores-narradores anônimos, falando por cima da voz dos atores sociais, é inesperada e desconcertante. A investigação sobre o modo de produção do filme revela que esse expediente deriva não de projeto prévio, mas de deficiências na gravação do som original. Diante da qualidade técnica inadequada das gravações feitas durante as filmagens, Birri e seus alunos tiveram que comprometer sua concepção original: antes servindo como intermediários entre os protagonistas e o público. Esta regravação é o que aparece no 'primeiro plano' da trilha sonora, mas abaixo dela mantivemos a faixa original…. Mesmo que, à primeira vista, essa trilha sonora 'profissional' dublada pareça contraditória à nossa abordagem, era uma necessidade inevitável.” Essa técnica de overdubbing é bastante comum hoje em documentários em língua estrangeira quando os cineastas desejam manter o “sabor” da fala do próprio ator social, mas aqui desempenha um papel bastante oposto, sinalizando o locus da contradição e marcando essa tentativa inicial e influente democratizar o discurso documental com a marca indesejada de anonimato autoritário residual.

Uma codificação SD da nova restauração. Belo filme.